À travers La Breva et KnowNess, l’histoire d’un ancêtre, Dafne Bianchi et Solen Athanassopoulos explorent les liens entre mémoire, identité et héritage. Des souvenirs familiaux aux traces inconscientes inscrites dans le corps, les deux chorégraphes interrogent ce qui se transmet de génération en génération et donnent vie, par le mouvement, à des histoires intimes et collectives.
Questions à Dafne Bianchi
Comment est né ce projet de travailler sur le souvenir, l’histoire et l’héritage ?
Cette création est avant tout née de l’amour que je porte à ma petite sœur Anaïs, que je considère comme une danseuse et une artiste incroyable et profondément inspirante, et de l’envie de partager du temps avec elle pour créer quelque chose qui rende hommage à notre lien. En travaillant ensemble et en plaçant cette relation au centre du projet, nous nous sommes naturellement rendues compte que nous partagions énormément de souvenirs de notre enfance à Bellagio, sur les rives du lac de Côme. Le spectacle est ainsi devenu un moyen de mettre en lumière nos racines et de rendre hommage à ce qui nous a été transmis, par les femmes de notre famille et par le patrimoine immatériel et populaire qui fait partie de l’histoire de notre village natal. Nous avons eu envie de nous emparer de ces récits, de ces légendes, de ces souvenirs et de tout ce qui s’est inscrit dans nos corps, pour les retranscrire à notre manière, avec notre langage de mouvement. Il s’agit pour nous de faire vivre et de transmettre cet héritage immatériel, qui a profondément participé à notre construction en tant que femmes et en tant que danseuses. Finalement, ce projet est aussi une nouvelle manière de renforcer notre lien, en partageant une expérience artistique et intime qui nous permet de redécouvrir encore et encore notre histoire commune.
Vous avez été inspirée par les femmes de votre famille : comment cela s’est traduit dans votre création ?
Les femmes de notre famille ont toujours occupé une place très importante dans nos vies et forcément elles sont aussi présentes dans notre création. Notre mère est elle-même danseuse et passionnée de danse, et elle nous a accompagnées et soutenues dans notre envie de devenir danseuses professionnelles. La danse est ainsi devenue un lien très fort entre nous trois. Plus largement, l’activité artistique a toujours été au cœur de notre famille d’une certaine façon. Notre grand-mère maternelle Viviana était également passionnée de danse, de théâtre et d’opéra. Elle travaillait dans une structure qui organisait des voyages culturels et m’emmenait voir des spectacles lorsque j’étais petite. Les voix de ces femmes résonnent d’ailleurs directement dans la bande-son du spectacle, comme si elles étaient encore présentes à nos côtés. C’est une manière de leur rendre hommage et de faire vivre quelque chose qu’elles nous ont transmis sans forcément le savoir. Notre arrière-grand-mère était danseuse de bal et aimait particulièrement la valse, elle est aussi présente. Nous sommes parties de traces très concrètes retrouvées dans la maison familiale : des photographies, des archives, des bobines, mais aussi des gestes et des attitudes qui se répètent de génération en génération (une manière de se tenir au balcon, de froncer les sourcils, une posture, une façon de regarder…). Toutes ces choses sont profondément nouées quelque part dans nos corps. Elles font partie de notre histoire, de notre construction, de notre manière de danser. C’est tout cet héritage, à la fois conscient et inconscient, visible et invisible, qui a nourri la création.
De quelle manière la danse de votre sœur et la vôtre s’opposent, tout en trouvant une unité ?
Ma sœur Anaïs et moi sommes très différentes, et cela se ressent forcément dans nos danses. Nous avons des morphologies, des énergies et des personnalités très distinctes, donc des façons différentes de traverser les mêmes mouvements. Mais lorsque nous dansons ensemble, nous n’avons pas d’autre choix que d’être vraies. Je crois que c’est précisément cette sincérité qui nous unit. Il y a dans notre danse une même recherche de liberté, de vérité et d’un endroit où l’on peut simplement être soi, sans chercher à correspondre à quoi que ce soit. C’est aussi l’amour fou qui nous lie qui permet à nos deux individualités de se rencontrer. On retrouve parfois des similitudes dans certaines énergies, certaines textures ou certains états de corps, mais nous avons chacune une identité très forte. Finalement, notre unité ne vient pas du fait que nous cherchons à danser de la même manière, mais plutôt du sens que nous mettons dans ce que nous faisons. C’est cette quête commune de moments de grâce, de lâcher-prise, où l’on ne pense plus à rien et où il ne reste que nous deux, qui fait naître cette unité.
« C’est aussi l’amour fou qui nous lie qui permet à nos deux individualités de se rencontrer. »
Dafne Bianchi
Questions à Solen Athanassopoulos
La mémoire, l’identité, les souvenirs sont au cœur de votre pièce : pourquoi et comment avez-vous travaillé ces sujets ?
Ces thèmes résonnent au cœur de mon histoire. Je porte quatre cultures : française, grecque, congolaise (Congo-Brazzaville) et polonaise. Pourtant, je sais peu de choses sur mes ancêtres. En voulant en connaitre davantage, j’ai compris qu’une grande partie de cet héritage se loge de manière inconsciente dans le corps. J’ai eu envie d’en faire une pièce qui me reconnecte à ce passé. Pour aborder ces sujets, j’ai choisi de travailler autour de l’écriture de lettres. En partant de mon écriture chorégraphique au plateau, chaque danseuse et danseur rédige des lettres adressées à un ancêtre, connu ou imaginé, qui lui permet de relier la pièce à sa propre histoire. Puis ces lettres sont scellées, sans les relire. On les rouvre à des moments précis de la création, et c’est là que tout se joue : quelque chose resurgit, un souvenir, une image, un silence, une intuition. À partir de ces fragments, on tisse des récits, entre le réel et l’onirisme. Tout cela nourrit la pièce, qui se construit fragment par fragment, acte par acte.
Dans cette recherche collective, les origines des protagonistes sont très différentes : comment parviennent-ils à trouver un langage commun ?
Nos origines sont différentes et c’est naturel. Ce qui nous réunit, c’est une même quête de sens : se connecter à son âme, se rappeler, comprendre pourquoi nous sommes là. Les histoires du passé en font partie. Sur scène, on partage un langage commun, propre à la pièce : une base de mouvement, une logique. On retrouve cet ondulé, cette qualité qui nous traverse comme un fil conducteur. Chacun joue avec ce langage, avec son propre registre. Il y a des moments très calés, où l’on danse ensemble, et d’autres où chacun laisse parler son corps. C’est cet équilibre que je cherche, être ensemble, sans perdre ce qui nous rend chacun unique.
Vous déployez arts visuels, plastiques et danse : comment cela s’articule dans votre pièce ?
Dans KnowNess, la danse dialogue avec les autres dimensions du spectacle. La lumière, les costumes et la musique ont été pensés ensemble, comme les différentes facettes d’une même histoire. La lumière, créée par Romane Lavigne, est poétique : elle s’ouvre, se referme, enveloppe les corps, et raconte à sa manière ces histoires du passé. Les costumes nous font voyager dans toute la complexité de la couleur violette. Et la musique de PLDG – Pour l’Amour du Groove – crée un univers unique : des battements de cœur, des voix, des nappes électroniques, jusqu’aux polyrythmies et aux moments où le son explose. On entre dans un monde parallèle et singulier, et on se laisse traverser. La pièce est vivante et va continuer d’évoluer, notamment avec la création d’une scénographie et l’évolution des costumes, qui donneront une nouvelle dimension à ce monde.
« Sur scène, on partage un langage commun, propre à la pièce : une base de mouvement, une logique. »
Solen Athanassopoulos
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